Ecole d'Art d'Aix en provence

10 English

Florent Lefebvre — 2007-06-05T12:14:03Z

I knew, by studying in an Art School, and espacially here, in Aix-en-Provence, which is specifically turned around new technologies, that I would learn a lot of things. First, in new technologies, as I told, that I've never studied before, and that was new for me. Especially video, sound and 3D. And I just began to learn it, for example video, I began to shoot some elements, some things that could be interesting, by itself, or its color, or even its symbolical signification. Then I had to do something about it just easily, to introduce video to me. In sound, that's the same, but thanks to the sound-space-network workshop, I could learn it deeply, and my knowledge about sound is better than video. In 3D, that's not the same. I just could, by a half-part of a day, touch by the finger the very basement of it. For the other workshops, that was different. Last year I've done and learned a lot of things. Of course, we can always discover something new in every workshop, everytime we spend on it. But, technically, I already knew some workshops. I almost think about photography, or etching. But I learned something else about them : even if I know the technical side of it, the work we produce with it is always different, better, you correct something and ameliorate other things. So, you can always learn something else. That was confirmed with drawing or painting, in which you always learn, by working it, you always discover something new, and that makes you becoming better, and makes you change your point of view and evoluate. So, the important thing is that I've learned, all long the year, new things, new works, new interesting workshops I've never met before. And that's a work on your own personnality too, because you have to work with twenty-six other people, in the volume workshop for example, or, often, with four or five persons in a project, and you have to listen, to communicate your ideas, to do something that everyone would agree, and that's not an easy thing to do. I've always worked by myself, and suddenly, Ihave to share my ideas with different persons, to accept theirs, and try to create something with it that will be interesting, and that would please everyone. That's a real work. But that's not bad, it drives you to change, to open your mind to the world, and makes you escape from your own mind. This year was good for me, i learned a lot of new things and that's why i wanted to come in the art school.

09 Dessin

Florent Lefebvre — 2007-05-30T13:59:56Z

Avec Denis Martinez, notre premier professeur de dessin, nous avons travaillé sur l'après-stage initial d'Esparron. J'ai surtout travaillé sur des dessins de négatifs de mes photos de gouttes d'eau chutant dans l'eau.

Dans le cadre du cours de dessin avec notre professeur Jean-Jacques Ceccarelli, nous avons centré nos travaux autour de thèmes classiques, mais traités d'une manière diffférente, par exemple en guise de paysage, notre travail fut le suivant (à partir d'une veste simplement posée) :

Nous pouvions également faire des études sur l'objet de notre choix :

Ou bien encore, nous devions recréer un équilibre des colonnes antiques en utilisant divers objets quotidiens, ou bien n'importe quelle structure qui pourrait nous venir à l'esprit, sans pour autant que cela ressemble à une structure, il fallait surtout mettre les objets en relation les uns avec les autres, de manière à ce que cela forme l'image d'une colonne :

04 Ateliers 3D/Infographie

Florent Lefebvre — 2007-05-30T08:48:31Z

Je regroupe ces deux ateliers, car ils n'ont formé qu'un apprentissage très bref et très basique de deux outils informatiques.

Atelier 3D

La seule demi-journée passée dans l'atelier 3D m'a beaucoup impressionné et passionné, nous avons appris les bases de l'animation 3D, mais aussi de la formation d'un objet 3D dans un espace. La tâche ne fut pas simple devant cet outil tout nouveau pour moi et qui me semblait extrêmement complêxe. Cet atelier a éveillé en moi le désir de 3D. La petite animation que j'ai pu créer grâce à 3DsMax est certes mauvaise, mais elle est la représentation de mes tout premiers pas dans un monde jusqu'ici inconnu.


Torsade: animation primaire en 3D

Atelier Infographie

L'atelier infographie ne représentait pas une nouveauté pour moi, depuis un certain moment je travaillais déjà avec le logiciel Photoshop, essayant d'en exploiter un maximum (c'est-à-dire pas grand chose, quand on connaît les immenses possibilités qu'offre le logiciel). Malgré tout, j'ai appris quelques nouveaux éléments dans ce qui devait former les bases du logiciel, éléments qui aujourd'hui me paraissent indispensables, et ainsi, cet atelier m'a été très bénéfique.
Les images ci-dessous sont des montages, l'une partant d'une photographie argentique du lac d'Esparron, mélangée à des cheveux, la seconde n'est qu'un montage effectué sur des cheveux.


Marecheveux

06 Ateliers Gravure/Sérigraphie

Florent Lefebvre — 2007-05-30T07:54:43Z

Atelier Sérigraphie :

Je démarre notre nouvel atelier avec la sérigraphie. Après une brève inspection dans mes travaux, les deux professeurs sont tombés d'accord sur mes travaux sur les cheveux. Donc je découvre la sérigraphie. Le système en lui-même est simple : sur un tamis recouvert de gélatine sèche, on insole grâce à un appareil qui projette énormément de lumière (« à en perdre les yeux » dixit Jean-Paul), nos dessins photocopiés sur calques, normalement à différents contrastes. Pour ma part, on a choisit deux travaux de cheveux différents, un dont il était très difficile de garder les détails, et l'autre était déjà à l'origine en négatif. Pour la première, qui était une photocopie, j'ai passé un certain temps à essayer de la rendre suffisamment contrastée, et pour rien, car au final, nous avons décidé de l'imprimer numériquement. Mon travail serait donc une juxtaposition entre tirage numérique et tirage sérigraphique. L'intérêt était à présent d'imprimer mon second sur mes tirages numériques. Pour l'impression sérigraphique, il suffisait d'accrocher son tamis à un système permettant de manipuler sans problème, il fallait bien placer sa feuille pour être sûr de l'endroit sur lequel on allait imprimer, puis ajouter de l'encre pour sérigraphie sur le tamis, et passer l'encre à travers le tamis sur son tirage pour imprimer. Mais une fois de plus, nouveau problème : mon image étant en négatif à l'origine, lors de l'imprimerie, les deux ne se sont pas bien accordées, et après quelques essais infructueux, j'ai décidé de ne plus utiliser les tirages numériques, de ne travailler qu'avec la seconde image. Du coup, tout en rouge, je me suis amusé à essayer de le mettre dans tous les sens, d'accorder, de lier des copies de cette image, ce qui au final rend beaucoup de choses, sauf des cheveux (ce qui est d'autant plus intéressant). Mon passage en atelier sérigraphie, malgré les problèmes que j'ai rencontrés, et le résultat qui, malgré tout, n'est pas réussi, m'aura procuré beaucoup de joie.

Atelier Gravure :

Ayant déjà pratiqué la gravure hebdomadairement durant une année, je connaissais déjà bien le fonctionnement de cet atelier, que j'aime beaucoup. Il s'agit tout d'abord de graver, à l'aide d'une pointe sèche, une image (des cheveux encore pour moi), en transparence sur une plaque de plexiglas. Une fois la gravure terminée, on encre sa plaque, puis on la passe dans une presse à la main, on pose son papier légèrement humide dessus, on presse en tournant la roue, puis on retrouve son papier imprimé. La gravure sur linoléum part du même principe : on creuse cette fois-ci avec des gouges (très dangereuses pour nos doigts) dans le linoléum, avec finesse ou grossièreté selon le résultat voulu, puis on encre, et on la passe directement dans la presse. L'idée, c'est d'obtenir un noir parfait. Et c'est aussi le plus difficile, de n'avoir aucune imperfection sur son papier ; malgré tout je suis plutôt content de mes gravures.

Comment se fabriquer un carton à dessins :

L'atelier gravure/sérigraphie nous donnait aussi l'occasion d'apprendre à créer son carton à dessins. Tout d'abord, se munir d'un carton rigide et épais, que l'on coupe à la taille souhaitée. Poncer les côtés pour que ce soit doux au toucher. Puis, calculer la largeur de dos souhaitée. La couper également. Placer les trois éléments côte à côte, bien droits, en gardant un espace entre chacun, puis les relier avec du ruban adhésif kraft, de chaque côté. Faire des entailles de chaque côté sur le bord pour un placer le ruban qui tiendra la pochette. Faire de légers creux dans la pochette pour le ruban, puis le coller avec de la colle blanche. Après, on peut orner la pochette de la décoration que l'on veut : papiers, tissus etc, en les collant avec de la colle blanche, pour personnaliser.

08 Atelier Peinture

Florent Lefebvre — 2007-05-29T07:52:56Z

L'atelier peinture se déroule en trois temps, trois semaines. Chaque semaine nous offre une approche différente de la peinture. Donc le mémoire de ce stage se découpera en trois parties :

1ère semaine avec Don Jacques.

Cette première semaine est centrée sur l'apprentissage basique et technique de la peinture à l'huile. Ainsi nous apprenons que la peinture se construit sous plusieurs couches : tout d'abord, la première couche très sombre et très fluide, qui formera les ombres et les noirs du tableau. Puis, petit à petit, on rajoute par-dessus de la couleur, du détail, en allant au fur et à mesure vers une peinture plus épaisse, jusqu'au blanc des lumières pures. Ainsi, les différentes couches formeront un rendu plus éclatant et plus percutant que si l'on se contente d'appliquer les couleurs et les lumières en une seule couche. Notre sujet était l'œuvre Les bergers d'Arcadie de Poussin. Nous devions donc refaire le tableau en appliquant les techniques de peinture à l'huile. Bien entendu, il s'agissait d'un exercice, l'idée n'étant de reproduire parfaitement l'œuvre. En parallèle nous avons appris à tendre une toile sur un châssis, puis à préparer la toile avec de la colle de peau de lapin, qu'on recouvre avec une peinture à l'eau blanche.

2nde semaine avec Marc Aurelle.

Le projet que nous proposait Marc Aurelle était de reprendre les différents éléments des Bergers d'Arcadie, c'est-à-dire le paysage, la structure et les personnages. Mais nous réapproprier la tableau, mais en inventant son propre paysage, une structure et des personnages, puis placer tous ces éléments en une seule peinture. Ainsi le résultat témoignerait de notre propre monde, notre ambiance personnelle. Pour ma part, j'ai imaginé une forêt un peu austère. En guise de structure, j'ai imaginé disposer des escaliers en colimaçon autour d'un arbre ou deux. Mais le projet était trop compliqué, j'ai donc décidé d'immiscer une pyramide dans mon paysage. Mais, sans le savoir, ma pyramide était déjà présente dans ma peinture. Les personnages également, en accident, deux personnages se sont glissés dans ma peinture, se donnant un baiser. Ma peinture relève donc plus d'une coïncidence ou d'un accident qu'à une maîtrise parfaite, ceci dit on n'eût pu imaginer une meilleure inscription, bien qu'accidentelle, de ces éléments dans ce paysage.

3ème semaine avec Jean-Pierre Julien

La dernière semaine s'est déroulée bien différemment des deux premières. Tout d'abord, parce que Jean-Pierre Julien nous a ré expliqué le fonctionnement de la couleur, avec les synthèses additives et soustractives. Justement, le premier exercice consistait à créer un travail qui repose sur la synthèse additive, donc l'utilisation simple des trois couleurs rouge, vert et bleu, en couleurs lumières. Le but étant l'expérimentation et les projets avant la réalisation d'un réel travail. Nous nous sommes donc contentés d'idées, dont la plus saugrenue était de recréer les motifs que l'on peut trouver sur un torchon quelconque, en couleurs RVB. Le second jour, Jean-Pierre Julien et Marc Aurelle nous ont demandé de prendre une petite fraction des Bergers d'Aracadie, mais de ne la repeindre qu'avec les trois couleurs primaires, donc cyan, magenta et jaune, en utilisant donc, cette fois, la synthèse soustractive. Le but étant de ne pas mélanger les couleurs, mais plutôt de les superposer pour obtenir une couleur mélangée. Dans un second temps, nous devions conserver notre première peinture, et recréer exactement la même, mais en négatif, comme un négatif photo. Nous devions alors trouver la couleur exactement complémentaire à la première. Ce second jour se concluait par un visionnage de nos différents travaux sur Photoshop, pour les mettre en négatif et voir si nos négatifs fonctionnent. Enfin, pour le dernier jour de l'atelier peinture, Marc Aurelle nous a demandé de faire une peinture de notre choix, comme on voulait, en reprenant un peu de chaque élément de tout l'atelier, mais avec une technique libre. Pour ma part, j'ai fait une peinture totalement imaginée, sans y réfléchir, en découvrant au fur et à mesure les éléments qui immergeaient.

07 Son/Espace/Réseau

Florent Lefebvre — 2007-04-12T08:12:21Z

Pour l'atelier Son/Espace/Réseau, nous devions fonctionner en groupe. Candie, Elodie, Natacha, Lionel et moi nous sommes réunis autour d'un projet. Il s'agissait de reproduire une pièce antique, en s'enregistrant chacun isolément les uns des autres, incarnant un personnage de la pièce, avec une voix, une ambiance différente et plutôt détournée, humoristique. Chaque personnage avait donc sa propre caractéristique de voix, d'ambiance. Ensuite nous remontions chaque scène avec toutes les répliques dans l'ordre, dans la surprise du résultat. Nous avons choisi la pièce Antigone de Sophocle, pour ses personnages variés, des répliques et tirades pas trop longues (bien qu'à la suite nous avons du couper des temps très longs). Nous n'avons sélectionné que cinq scènes de la pièce, ce qui représentait déjà un certain travail. Quant aux personnages, nous nous les sommes répartis de cette façon :

Antigone est jouée par Candie : une Antigone très calme, dont la caractéristique principale est d'être dotée d'un accent du sud-ouest très fort. Contrairement à la pièce, qui montre une Antigone survoltée, on la retrouve ici dans une ambiance de temple bouddhiste ou bien dans un endroit très calme et chaud.
Ismène est jouée par Elodie : Ismène, dans la pièce, est la sœur d'Antigone, mais qui ne réagit pas, par peur de violer les lois de Créon. Donc, Elodie nous a joué Ismène avec une voix de cruche, nunuche au possible, un peu stridente et insupportable. Le fond sonore va de paire avec la voix : soit des grincements de porte insupportables, soit des bruits de pas dans des escaliers.
Créon est joué par Lionel : Créon articule tous les mots qu'il prononce, doté de son accent anglais. Le chef de Thèbes montre son pouvoir et sa domination, avec, pour pallier avec sa voix, un fond sonore très agité, violent ou rythmé.
Hémon, alias « Haïmon » était mon personnage : Haïmon, fils de Créon, est promis à Antigone. Je l'ai joué comme un fils à papa teigneux, qui parle vite et avec un air supérieur, ridiculisé par son zozotement. Ses longues tirades lyriques perdent alors toute leur grandiloquence. Comme fond, une sorte de chœur épique, grandiose, pour souligner le ridicule de ses propos.
Tirésias est joué par Natacha : Tirésias est un devin prophète avec lequel s'entretient Créon. Tirésias crie, car il est éloigné et le vent étoufferait ses paroles. Du coup, son discours en devient incompréhensible, car il avale ses mots, parle très fort et sa voix rustre n'avantage guère à sa compréhension.
Le Coryphée ou « le Chœur » était joué par nos trois voix, Elodie, Natacha et moi. Le Chœur est normalement un groupe de vieillards qui content l'histoire au fur et à mesure de son déroulement. Nous avons opté pour un chœur avec trois voix distinctes et différentes. Nous enregistrions tous ensemble, essayant de parler en même temps. Natacha parlait de façon si basse et grave que cela format une sorte de bourdonnement. Elodie parlait avec une voix medium, la sienne imitant une voix d'homme, donc un peu rustre. Quant à moi, je parlais avec une voix suraiguë. Au fur et à mesure que les répliques du Chœur avançaient, nous nous sommes rendus comptes que parfois nous lui faisions rouler les R. Le Chœur est le seul personnage sans fond sonore, les trois voix juxtaposées rendant un effet très étrange, à la fois drôle et effrayant.

Avec le logiciel ProTools, nous avons alors réuni tous nos enregistrements, pour les couper, les remonter dans l'ordre de la pièce, couper les temps longs pour éviter l'ennui. Le résultat est assez surprenant, mais il rend plutôt bien. Nous avons pris beaucoup de plaisir à créer ce détournement humoristique.

Pour entendre le résultat, cliquer ici.

05 Atelier Volume

Florent Lefebvre — 2007-03-21T15:36:40Z

Atelier Volume

Nous avons découvert l'atelier volume. Un nouvel espace, une autre ambiance, loin des ordinateurs auxquels nous nous étions accoutumés depuis quelques mois. On va enfin pouvoir se salir les vêtements : quel plaisir ! Nous faisons connaissance avec nos deux nouveaux professeurs, France et Robert.

Notre tout premier travail, en amorce du réel atelier volume, consistait à mouler dans le plâtre un objet par groupe. Dans notre cas il s'agissait d'un dinosaure en plastique, dont nous n'avons moulé que le cou. Cela nous a servi de base, de première expérience de moulage.

Première phase de l'atelier volume : nous apprenons que nous allons être assistés d'un intervenant, un jeune artiste d'une trentaine d'années, ancien élève de l'école, Lionel Scoccimaro. Il nous propose donc (ou plutôt nous impose) un sujet commun de travail basé autour de l'insulte et de l'alphabet pour les sourds-muets. En bref, il voulait que nous formions une insulte de notre choix (bien qu'il la demandait très virulente), avec des moulages de nos mains formant des lettres de l'alphabet sourd-muet. Après de nombreuses propositions, discussions, hésitations, votes (25 élèves oblige), nous nous sommes arrêtés sur l'insulte « dans ton cul », l'intérêt de cette insulte résidant dans l'idée des doigts de la main, puis plus tard du banc sur lequel on ne peut pas s'asseoir, mais l'idée du banc est postérieure.

Nous devions donc former dix lettres avec dix mains différentes pour créer notre phrase. On m'a attribué la lettre « D », donc la toute première. Nous avons moulé nos mains avec de l'alginate, un produit qui offre une définition très précise et très belle. Malheureusement, pour le moulage de ma main, le plâtre a été bloqué par quelques bulles d'air qui l'ont amené à m'amputer de deux morceaux de doigts.

La question était désormais de savoir que faire de toutes ces mains, mais l'idée vint très vite : construire un banc pour les fixer. L'idée du banc est simple : la phrase, « dans ton cul », est exprimée par des doigts, le banc est l'objet sur lequel on s'assoit, ainsi le banc ne peut être utilisé ; puis si un malin a l'audace de s'y asseoir, les doigts se placeront, en effet, dans son postérieur. Cela joue d'ironie, étant donné que le passant infortuné ne pourrait lire, à moins bien-entendu de connaître l'alphabet sourd-muet, le message délivré par nos mains. Nous avons donc construit notre banc. Avec l'aide de l'atelier bois et de quelques calculs, nous avons vite trouvé de quoi le construire. Il fallut tout d'abord le poncer, le peindre (en vert, cela va de soi), puis le monter. Après cela il fallut fixer toutes nos mains dessus dans l'ordre, inscrire l'alphabet sourd-muet au dos du banc pour que l'on puisse déchiffrer le message, et notre pièce était finie.

En trois jours, nous avons créé une pièce que nous avons tous jugé comme plutôt réussie. Lionel nous avait fait travailler intensément et nous avions un résultat. Ce banc est resté le symbole de cette première année, de notre collaboration commune.

Seconde phase de l'atelier volume était centrée autour du moulage de nos visages. Une fois nos visages moulés, France et Robert nous ont proposé de créer nos figures en latex. Le procédé est simple mais long : on vaseline un petit peu l'intérieur du masque en plâtre, on applique le latex liquide au pinceau, puis le faisons sécher un certain moment au sèche-cheveux afin qu'il durcisse. Cela en plusieurs couches jusqu'à ce que le masque soit suffisamment épais. Un résultat très étrange. A partir de là il fallut trouver quoi faire de nos masques, nous avions trois jours pour les mettre « en situation ».

Mon idée était de voiler mon masque, de façon à ce qu'on puisse identifier un visage humain sous le voile, qu'on reconnaisse les traits. L'idée étant basée sur l'identité cachée, secrète. Je pensais surtout aux monstres de foire, dont on couvrait le visage, pour mieux le laisser découvrir au public et faire apparaître l'horreur. Je me suis donc muni d'un tissu blanc, que j'ai tout d'abord déchiré puis effilé à la main (je tirai chaque fil de façon à détisser le tissu, sur certaines zones, pour qu'il ait un effet usé, vécu). Le problème, c'est que mon tissu était bien trop épais, si bien que l'on ne voyait rien en ressortir, si ce n'est le nez, mais c'était pas assez identifiable. Alors j'ai décidé de coller le tissu sur le masque, de façon à ce qu'il soit si près du visage que l'on voit bien les traits du visage. Le second problème, c'est que l'on y voyait trop, et que le masque n'était en rien un visage voilé mais plutôt un visage étouffé, l'effet était certes intéressant, mais ça ne fonctionnait pas avec mon idée.

Mon masque n'est pas réussi, et comme le temps m'a pris de cours, je ne pouvais pas en recommencer un second. Nous avions à faire une présentation de nos masques à la fin de l'atelier. Le mien étant raté, ma présentation le fut également (d'autant que je ne l'ai pas mis en valeur : pas de socle, ni accroché, juste posé sur une table). Peu importe, j'ai expliqué mon idée et je recommencerai ce projet. L'atelier volume s'achève, avec plein de souvenirs.

03 Ateliers Vidéo/Son

Florent Lefebvre — 2007-03-21T15:34:20Z

Atelier Son :

Le but de l'atelier son, tout comme l'atelier vidéo, était avant tout l'expérimentation. Ainsi nous devions, armés d'un magnétophone et d'un micro adapté, partir en groupe à l'aventure dans la rue et capter et enregistrer tous les sons qui nous intéressaient. Au départ nous voulions enregistrer les différents sons des fontaines d'aix-en-provence. Cette idée s'est étendue lorsque nous avons enregistré le bruit de pas dans les flaques d'eau, puis le bruit des petites fontaines que l'on actionne soi-même pour s'abreuver. Le bruit circulaire émis par la manivelle offrait une autre dimension au bruit aquatique, car s'y ajoutait un bruit plus mécanique, plus enroué. La seconde partie de notre travail était de suivre n'importe quelle conversation de passants dans la rue à différents endroits : au marché de noël, au marché, dans les grandes surfaces, ou bien dans la rue tout simplement. De ces conversations plutôt promptes, nous avons extrait des bribes de phrases, parfois des mots, et nous les avons assemblés de sorte à ce que, regroupés, ils forment un autre son, à la fois musical et comique, car certaines phrases, hors de leur contexte, prenaient un tout autre sens. Ces montages de voix et phrases, que nous avons rassemblés, coupés, répétés, étaient ajoutés aux bruits de fontaines, pour donner ainsi une ambiance presque oppressante, un peu comme une poupée mécanique qui répèterait plusieurs fois la même phrase, avec en fond un bruit très compliqué, celui des fontaines. Pour ces montages sonores, nous avons expérimenté les outils les plus basiques du logiciel ProTools.

Atelier vidéo :

Tout comme pour l'atelier son, nous avons expérimenté les prises de vues. Equipés d'une caméra, nous devions filmer dans des délais de trente secondes des images, des couleurs, des situations qui nous intéressaient. Nous sommes tout d'abord partis au supermarché. Nous avons alors effectué plusieurs prises de vues dans les étalages de fruits et légumes : les différentes couleurs de pommes, le orange vif et agressif des carottes ; puis les étalages de poissons, et enfin, la viande mais surtout les abats (dont un magnifique pied de porc). Après cela nous nous sommes rendus devant une école maternelle, dans laquelle les enfants étaient en récréation. Le premier travail fut de les filmer par-dessous le grand et très présent portail vert qui nous séparait d'eux, et ne nous laissait voir que leurs pieds courant, marchant ou immobiles. Ensuite nous avons décidé de les appâter avec des bonbons de toutes sortes, en laissant la caméra toujours au pied du portail, et donc nous avons pu filmer de nombreuses mains, parfois des visages curieux, tout cela pour donner un effet d'animaux de zoo. Notre dernier travail consistait à revêtir une cagoule, et adopter des comportements quotidiens dans la rue. Ainsi, la personne cagoulée (que nous avons tous interprétée, chacun à notre tour), allait dans une cabine téléphonique, rencontrait par hasard une amie dans la rue, faisait du stop, dansait devant des vitrines, voulait se faire couper les cheveux, ou encore se promenait tout simplement, et tout ça sous le regard intrigué, amusé ou offusqué des gens dans la rue. Retour à l'école. Nous devons tout d'abord visionner tous nos rushes, en sélectionner dix de trente secondes, leur donner un titre, les décrire. Car nous allons travailler non pas avec nos propres prises de vues, mais avec celles des autres groupes. Nous devions, une fois ce fait, piocher dans les titres et descriptions des fiches autres groupes, pour travailler avec dans un montage très libre, dont la seule contrainte est que le montage final doit durer deux minutes. Avec le logiciel Flash, nous avons tout d'abord créé une accélération des images, avec au départ des images lentes et silencieuses, puis, au fur et à mesure, les images sont de plus en plus rapides, rythmées, accélérées, jusqu'à ce qu'elle atteignent leur maximum, puis une image calme et silencieuse (un couple d'âge avancé assis sur un banc) viennent ramener de la lenteur et du calme.

02 Ateliers Photo/Web

Florent Lefebvre — 2006-11-24T10:35:30Z

Atelier Photo :

Ayant déjà effectué une année de photographie argentique auparavent, j'avais déjà un certain savoir quant au développement des pellicules et du tirage des photos dans le labo. Mais, comme tout rappel est bénéfique et que j'ai toujours beaucoup aimé la photo, j'ai pris un réel plaisir à refaire de l'argentique. Et ce fût l'occasion pour moi d'expérimenter un type de papier que je n'avais jamais utilisé, ayant toujours usé de papier plastique, c'est-à-dire le papier baryté, donc un papier qui est vraiment du papier. Ce dernier est bien différent du papier plastique, car il demande des temps de tirage différents, et surtout une trentaine de minutes de lavage, et également beaucoup plus de temps de séchage que le papier plastique. Le résultat change aussi beaucoup, le papier est plus grisé, offre un effet plus vieillissant à la photo (dans les gris, un peu jaunis). Malgré cela, la plupart de mes photos sont tirées sur du papier plastique, car je désirais obtenir un effet très contrasté au niveau des noirs et des blancs, ce qui était plus accessible sur papier plastique. J'ai surtout travaillé sur mes photos de gouttes d'eau chutant dans l'eau, sur l'eau du lac, un peu les arbres, mais aussi les cheveux.

J'ai aussi eu l'occasion de faire du tirage sur du très grand papier, du 50x60cm, en utilisant l'une de mes photos de gouttes d'eau chutant dans l'eau. Le résultat est très beau et impressionnant.


Goutte d'eau chutant dans l'eau: tirage argentique


Photo du lac d'Esparron: tirage argentique


cheveux: tirage argentique avec les cheveux de Natacha

Atelier Web :

L'atelier web avait pour but de nous présenter, tout d'abord, l'histoire d'internet, son fonctionnement, son utilité originelle et actuelle. Mais surtout l'apprentissage de la gestion du site internet de l'école, sur lequel nous sommes interactifs, pour présenter, entre autres, notre mémoire de première année. L'idée de présenter nos mémoires en ligne sur le site est une très bonne idée, non seulement parce que toute personne peut y accéder (et ainsi on répand nos travaux), mais c'est également beaucoup plus pratique et moins cher en papier. Ainsi on devait apprendre comment interagir en ligne, ce qui comprend déjà la rédaction de nos mémoires, puis entrer images, sons et éventuellement vidéos sur le site etc. L'important étant d'envoyer en ligne des documents compressés (pour ne pas trop perdre en qualité et ne pas avoir d'immenses formats très lourds), et donc, d'apprendre tout le nécessaire en compression, et aussi en colorimétrie, afin que les documents envoyés sur le site de l'école soient adaptés au web.

Nous avons aussi eu l'occasion de tester le logiciel libre Audacity, et créer des sons en partant de bruits créés par nous-même. C'était la première fois que je travaillais un son.


Bruit

01 Stage Initial à Esparron

Florent Lefebvre — 2006-11-23T16:22:19Z

On nous avait préparé à la forêt incendiée d'Esparron. Cependant n'ayant aucune réelle image du lieu autre qu'une floue vue aérienne, nous ne pouvions qu'imaginer l'endroit que nous allions arpenter et transformer durant une semaine. Pour ma part j'espérais y trouver un endroit lugubre, décortiqué de toute vie, un endroit silencieux et dépouillé, avec de l'eau pour appuyer le silence constant. Evidemment, j'étais loin du compte. Les arbres étaient bel et bien morts et noirs, mais ils devenaient gênants face aux arbustes qui recommençaient à pousser autour. En réalité l'ambiance n'était pas tant à la noirceur, au contraire on y retrouvait beaucoup de vert, la couleur de l'eau était comparable à ces plages tropicales qui font rêver les envieux d'exotisme. Le ciel était d'un bleu parfait, le soleil prodiguait une chaleur parfois étouffante. Seules, de nombreuses pierres de couleurs sublimes partant du jaune vers le rouge paraissaient contenir une sorte de « côté positif » de l'incendie. En réalité, seuls les arbres morts étaient en trop sur ce paysage de carte postale parfaite.

Il devint indispensable de les couper, du moins ceux de la surface que nous comptions occuper. L'idée était la mise en valeur de la repousse de la flore. Une fois les arbres morts coupés par nos soins, nous devions faire quelque chose de cet espace rasé d'intrus. Pour cela les réunions se déroulaient tous les soirs sur leversant d'en face pour voir les résultats de notre labeur : il apparut vite que notre terrain était semblable à une peinture au grand format. Ainsi notre « toile » à grande échelle se vit remplir de formes. Au départ, deux chemins furent tracés à l'aide de pierres très blanches trouvées sur le lieu, et qui, réunies, offraient une luminosité insoupçonnée. Les chemins traçaient non seulement d'immenses lignes blanches, mais contournaient également les pousses et les arbustes et les mettaient en valeur. Nous entreprîmes alors à deux de cerner de blanc un arbre mort à moitié coupé qui apparemment avait survécu à notre massacre de cadavres d'arbres. L'idée nous plût et était visible de loin. Nous avions trouvé ce que nous voulions apporter à ce projet commun. Ainsi nous avons également formé à trois une goutte d'eau tombant avec à son centre un autre arbre mort, mais aussi nous avons entreprit de tracer une spirale qui contenait en son centre, sans même que nous l'ayons remarqué en formant la spirale, une très petite pousse d'un Pin. La spirale représentait non seulement l'infinité du cycle de vie terrienne (comme quoi après le massacre, la vie reprend le dessus), mais aussi le renouvellement de la vie, avec le minuscule arbuste qui en était le centre.


goutte en pierres et bois autour d'un tronc mort


Spirale: spirale formée de pierres blanches trouvées sur le lieu, autour d'une petite pousse de pin

De mon côté, la déception d'un manque de noirceur m'a plutôt mené à travailler sur deux choses, deux choses qui pour moi étaient très importantes : les insectes et le lac. Les insectes étaient omniprésents autour de nous, de nombreuses et très grosses araignées se cachaient partout (ce qui m'épouvantait atrocement), et on pouvait aussi souvent croiser de belles mantes religieuses et de belles chenilles, entre autres. Evidemment et comme partout, de nombreuses races de fourmis également. J'entrepris alors de photographier le plus d'insectes possible.


chenille, toile d'araignée et mante religieuse: insectes photographiés en macro

Ensuite le lac. Mon projet de départ était centré sur la goutte d'eau. Il est vrai que la forme m'inspirait plus que le fond. Je n'ai pas lâché cette idée, j'ai décidé de prendre le plus de photographies possible de pierres chutant dans l'eau. Je m'intéressais non seulement à l'éclat qui se produisait à la surface de l'eau, comme si on avait voulu la percer, la déchirer d'un coup sec et net, et puis aussi la propagation des ondes dans l'eau, ces cercles qui partent d'un seul et parfois très petit point, et s'élargissent, grandissent pour enfin mourir quelques secondes plus tard (un peu comme le feu s'allume d'un seul point et brûle des centaines d'hectares de forêt). Je m'évertuais donc à capter toutes ces images par le biais de la photographie argentique comme numérique.

Etrangement, ce lieu sur lequel nous avions travaillé durant une semaine sans relâche était difficile à quitter, nous avions tous mis du nôtre dans nos projets, et en particulier sur le projet commun, même s'ils n'avaient pas forcément tous atteint leurs fins, ainsi il fut assez triste de le quitter. L'aspect assez physique du travail effectué (car la colline était très pentue) n'était pas dérangeant, car il me semble que la tâche nous plaisait. Les photos aériennes en témoignent.

Ainsi, après une semaine à Esparron, nous retournons à l'école pour deux semaines de travail ... sur Esparron ! La première chose à voir : les photos. Mes photos numériques ont capturé beaucoup de choses, outre les incontournables arbres morts, quelques insectes et pas mal de gouttes d'eau, et d'ailleurs d'eau tout court. Les photos argentiques ont révélé beaucoup de gouttes d'eau également, qui d'ailleurs, étant en noir et blanc, offraient une autre dimension à cette eau originellement trop bleue. Bien que floues, les photos n'en étaient pas moins intéressantes. Mais il s'avéra qu'en tournant les photos des gouttes d'eau à l'envers, on obtenait tout à fait autre chose. On pouvait y imaginer un fond marin. Le fond, qui était en fait le versant d'en face du lac, ne laissait apparaître que des zones très claires des pierres et arbres (car il m'a parut indispensable de contraster un maximum ma photo, et laisser un fond très noir), de plus il s'avéra que la mise au point était au niveau du fond plutôt que sur la goutte, ce qui, à l'envers, créait un monde sous-marin, ainsi on pouvait imaginer qu'il s'agissait-là de la vue sous-marine de la pierre chutant dans l'eau. Cette vision sous-marine étant bien plus intéressante que la vision « normale » de la goutte, j'entrepris de la garder dans ce sens. Le mystère de la photo en devenait bien plus fort, et puis une certaine noirceur presque macabre sous-marine était jubilatoire, de plus cela reprenait un peu mon idée de départ de la forêt d'Esparron. Ainsi mon projet personnel prit forme.


Goutte d'eau